En su primera colección de alta costura para Dior, Anderson jugó con lo antinatural y lo inesperado. Vestidos de verano aparecieron en pleno enero y abrigos de invierno en julio. Fiel a la tradición de la Maison, donde las flores han sido siempre un símbolo central y parte de la visión de Christian Dior, quien buscaba “proteger a las mujeres de la naturaleza”, Anderson inundó los vestidos de flores y creó instalaciones donde estas colgaban sobre el público, como un prado invertido. “Algunas cosas son reales y otras no”, explicó, aludiendo a esa mezcla constante entre realidad y fantasía. El vestido de novia que cerró el desfile se confeccionó dentro de una cabina de vidrio para conservar su blancura absoluta, reforzando esa tensión entre control y delicadeza.

La fantasía fue la protagonista. En un salón de estilo Luis XIV, rodeado de espejos, Anderson presentó su visión de lo que Dior puede ser hoy: una reinterpretación del legado de la casa que mira al futuro sin romper con el pasado. Los primeros vestidos, plisados, con crinolinas acampanadas, combinaban referencias al New Look con la influencia de la cerámica de Magdalene Odundo, una inspiración clave para el desfile. Las piezas evocaban la forma de un frasco: femeninas, escultóricas y contenidas, con detalles mínimos como pequeños moños . El segundo look, un vestido blanco, fue el primer vestido de alta costura que Anderson creó para Dior y marcó el tono de toda la colección: una reducción a la esencia antes de dejar volar la imaginación.

Lo real y lo falso se cruzaban de forma constante e impredecible. Los vestidos parecían suaves a simple vista, pero escondían estructuras firmes bajo terciopelo y seda. Las siluetas curvas y ligeras de Anderson se alejaban del cuerpo gracias al corte y a una construcción técnica precisa. Para la Primavera Verano 2026, el director creativo concibe la costura como una experiencia sensorial completa: las prendas no existen aisladas, sino que se mueven con la música, dialogan con el espacio y difuminan la línea entre moda y fantasía.

Las plumas parecían cualquier cosa menos plumas: esmalte, escamas de reptil, nácar o bordes deshilachados. Solo algunos fragmentos de organza revelaban su verdadera naturaleza, mostrando el trabajo y la imaginación de los talleres de Dior.

Y, por supuesto, estaban las flores. Todo comenzó con un ramo que John Galliano le regaló a Anderson. Durante una visita al estudio, entre té y pastel, conversaban sobre detalles cuando Galliano le entregó un pequeño ramo de ciclámenes. Las notas del desfile lo resumía así: “Cuando copias a la naturaleza, siempre aprendes algo”. Un gesto sencillo que refleja cómo ambos diseñadores encuentran significado en lo cotidiano. Anderson coronó a sus modelos con hojas de tela y cuero: una llevaba una hoja a modo de sombrilla de seda y bronce; en otro look, un abrigo negro parecía desafiar la gravedad y transformaba a la modelo en una flor.

Como es habitual en su trabajo, Anderson posiciona la alta costura como una respuesta directa a la velocidad del presente. Defiende el tiempo, el contacto y la continuidad, valores que se refuerzan mediante textiles del siglo XVIII reinterpretados y siluetas de raíz histórica que se sienten todo menos de archivos. Aquí, lo antiguo y lo nuevo no compiten: se fusionan.

La colección llegó de forma silenciosa pero firme, dejando claro cómo Jonathan Anderson empieza a redefinir lo que la alta costura en Dior puede ser. Esta temporada también marcó una nueva reflexión sobre la silueta. Las faldas aparecen plisadas, dobladas y construidas con precisión: algunas sostenidas por estructuras tipo crinolina, otras ondulando con el movimiento. Distintas en construcción, coherentes en efecto: controladas, elegantes y deliberadas. Aplicaciones, lentejuelas y drapeados daban identidad propia a cada look, como si cada pieza perteneciera a un personaje distinto dentro del universo imaginado de Dior. Los contrastes de texturas y materiales aportan complejidad, alejando a la colección de la simplicidad y acercándose a una forma refinada de exceso.

En su primera colección de alta costura para Dior, Anderson jugó con lo antinatural y lo inesperado. Vestidos de verano aparecieron en pleno enero y abrigos de invierno en julio. Fiel a la tradición de la Maison, donde las flores han sido siempre un símbolo central y parte de la visión de Christian Dior, quien buscaba “proteger a las mujeres de la naturaleza”, Anderson inundó los vestidos de flores y creó instalaciones donde estas colgaban sobre el público, como un prado invertido. “Algunas cosas son reales y otras no”, explicó, aludiendo a esa mezcla constante entre realidad y fantasía. El vestido de novia que cerró el desfile se confeccionó dentro de una cabina de vidrio para conservar su blancura absoluta, reforzando esa tensión entre control y delicadeza.

La fantasía fue la protagonista. En un salón de estilo Luis XIV, rodeado de espejos, Anderson presentó su visión de lo que Dior puede ser hoy: una reinterpretación del legado de la casa que mira al futuro sin romper con el pasado. Los primeros vestidos, plisados, con crinolinas acampanadas, combinaban referencias al New Look con la influencia de la cerámica de Magdalene Odundo, una inspiración clave para el desfile. Las piezas evocaban la forma de un frasco: femeninas, escultóricas y contenidas, con detalles mínimos como un pequeño moño en el bajo. El segundo look, un vestido blanco, fue el primer vestido de alta costura que Anderson creó para Dior y marcó el tono de toda la colección: una reducción a la esencia antes de dejar volar la imaginación.

Lo real y lo falso se cruzaban de forma constante e impredecible. Los vestidos parecían suaves a simple vista, pero escondían estructuras firmes bajo terciopelo y seda. Las siluetas curvas y ligeras de Anderson se alejaban del cuerpo gracias al corte y a una construcción técnica precisa. Para la Primavera Verano 2026, el director creativo concibe la costura como una experiencia sensorial completa: las prendas no existen aisladas, sino que se mueven con la música, dialogan con el espacio y difuminan la línea entre moda y fantasía.

Las plumas parecían cualquier cosa menos plumas: esmalte, escamas de reptil, nácar o bordes deshilachados. Solo algunos fragmentos de organza revelaban su verdadera naturaleza, mostrando el trabajo y la imaginación de los talleres de Dior.

Y, por supuesto, estaban las flores. Todo comenzó con un ramo que John Galliano le regaló a Anderson. Durante una visita al estudio, entre té y pastel, conversaban sobre detalles cuando Galliano le entregó un pequeño ramo de ciclámenes. Las notas del desfile lo resumía así: “Cuando copias a la naturaleza, siempre aprendes algo”. Un gesto sencillo que refleja cómo ambos diseñadores encuentran significado en lo cotidiano. Anderson coronó a sus modelos con hojas de tela y cuero: una llevaba una hoja a modo de parasol de seda y bronce; en otro look, un abrigo negro parecía desafiar la gravedad y transformaba el rostro de la modelo en una flor.

Como es habitual en su trabajo, Anderson posiciona la alta costura como una respuesta directa a la velocidad del presente. Defiende el tiempo, el contacto y la continuidad, valores que se refuerzan mediante textiles del siglo XVIII reinterpretados y siluetas de raíz histórica que se sienten todo menos de archivos. Aquí, lo antiguo y lo nuevo no compiten: se fusionan.

La colección llegó de forma silenciosa pero firme, dejando claro cómo Jonathan Anderson empieza a redefinir lo que la alta costura en Dior puede ser. Esta temporada también marcó una nueva reflexión sobre la silueta. Las faldas aparecen plisadas, dobladas y construidas con precisión: algunas sostenidas por estructuras tipo crinolina, otras ondulando con el movimiento. Distintas en construcción, coherentes en efecto: controladas, elegantes y deliberadas. Aplicaciones, lentejuelas y drapeados daban identidad propia a cada look, como si cada pieza perteneciera a un personaje distinto dentro del universo imaginado de Dior. Los contrastes de texturas y materiales aportan complejidad, alejando a la colección de la simplicidad y acercándose a una forma refinada de exceso.

 

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El beauty look, creado por Peter Philips, reforzó la idea de pureza controlada y fantasía contenida que atravesó la colección. La piel se mantuvo limpia, casi translúcida, dejando que la textura natural se notara; los ojos se definieron suavemente con sombras difuminadas y las cejas se llevaron naturales, sin rigidez. Los labios se veían apagados, casi borrados, aportando un toque etéreo que acompañaba las siluetas sin competir con ellas. En algunos looks, el pelo incluyó pelucas de fleco rosa, que sumaban un guiño lúdico y de color, mientras que en los demás se mantuvo sencillo y natural, pensado para complementar la costura y no distraer de ella.

Si hubo un accesorio que ancló el desfile, fue el arete statement de Anderson. Presente en casi todos los looks, dejó de ser un acento para convertirse en una constante. En tonos rosa suave y blanco pálido, elevaba cada conjunto hasta convertirlo en un todo cuidadosamente pensado. El efecto era discreto pero contundente: una elegancia que hablaba menos de exceso y más precisión.

Dior y Johnatan comparten un instinto claro para convertir los accesorios en el verdadero foco de la temporada. Ya fuera que la atención se dirigiera a los bolsos o a los zapatos, el desfile presentó una serie de piezas diseñadas para quedarse en la memoria. Realizadas en terciopelo, lentejuelas y seda, cada bolsa se sentía pensada, nunca excesiva. Una de las más destacadas, un modelo verde neón que se doblaba sobre el puño en algunos looks, reforzando la soltura con la que Dior aborda el lujo mientras juega con algo más etéreo.

La sastrería avant-garde de Anderson reveló una diversidad silenciosa en el corte, especialmente en el tratamiento de los cuellos. Retorcidos, intervenidos y deliberadamente distorsionados, aportan movimiento y animaban siluetas que podrían haber sido estáticas. Es una muestra clara de su impulso por priorizar la forma sobre la superficie, en sintonía con el diálogo del desfile con la naturaleza, donde la fabricación guía el relato.

Junto a los bolsos, aparecieron motivos simples pero esenciales. Clutches con forma de catarina convivieron con anillos y brazaletes engastados con fósiles, flores de seda y una enorme sombrilla de palma, gestos que diluyen la frontera entre lo real y lo surreal. Broches miniatura, cargados de romance y fantasía, subrayan el interés del director creativo por la inmersión, prendas concebidas no solo como objetos, sino como portadoras de emoción y narrativa. En conjunto, hablaban de una fascinación profundamente ligada a la historia, la naturaleza y el arte de contar historias.

Desde el 27 de enero, el Musée Rodin presenta “Grammar of Forms”. Durante una semana, la exposición pone en diálogo la alta costura de Jonathan Anderson con creaciones icónicas de Christian Dior y esculturas de cerámica.